El Metropolitan Museum of Art (Met) presenta Krasner and Pollock: Past Continuous, hasta el 31 de enero de 2027, una exposición que reconstruye las trayectorias de Lee Krasner y Jackson Pollock y sitúa la obra de ella antes y después de la muerte de su marido. El recorrido comienza y termina con Krasner: abre con sus collages abstractos de mediados de la década de 1950 y culmina con Past Continuous (1976), una composición monumental elaborada con dibujos propios de inspiración cubista realizados en la década de 1930.
La artista destinó sus bienes, integrados principalmente por obras suyas y de Pollock, a crear una fundación de apoyo para jóvenes creadores. La Pollock-Krasner Foundation, establecida en 1985, ha concedido más de USD 90 millones a artistas y es la primera fundación exitosa creada por una artista para artistas.
En 1957, Krasner trasladó sus herramientas al granero de su casa en Springs, una aldea del este de Long Island, Nueva York. El espacio, de unos seis por seis metros, había sido el estudio de Pollock, pero se convirtió en el lugar donde ella produjo las obras más destacadas de su carrera hasta su muerte en 1984.
Pollock había quedado asociado a ese granero por sus pinturas realizadas al chorrear, verter y arrojar pintura sobre lienzos extendidos en el suelo. La revista Life difundió en 1949 fotografías de Martha Holmes que lo mostraban trabajando con un cigarrillo entre los labios, bajo el título “¿Es el mejor pintor vivo de Estados Unidos?”.
La pareja había llegado a Springs desde Nueva York en 1945, después de obtener un préstamo de USD 2.000 de la galerista y coleccionista Peggy Guggenheim para pagar la entrada de una casa de dos pisos y cinco acres de terreno. Buscaban alejarse de las exigencias de la ciudad: Pollock comenzó a trabajar en un dormitorio del piso superior y Krasner en la estrecha cocina; después, él pasó al granero y ella ocupó el dormitorio.
En agosto de 1956, Pollock estrelló su automóvil al borde de una ruta tras una noche de consumo excesivo de alcohol. Murieron el pintor y Edith Metzger, amiga de Ruth Kligman, quien era su amante y sobrevivió al accidente.
Krasner se encontraba de viaje en Europa y regresó de inmediato para organizar el funeral. Meses más tarde retomó su trabajo y, casi un año después de la muerte de Pollock, instaló su estudio en el granero.
El edificio había conservado durante años el olor del queroseno usado para calentar una estufa. Pollock lo había acondicionado para el invierno en 1953: aisló las paredes y cubrió el piso con cuadrados de masonita sobrantes de un trabajo de imprenta de su hermano Sanford, que ocultaban las salpicaduras de pintura sobre la madera.
Lena Krassner nació en Brooklyn en 1908, cuarta de seis hijos de una familia obrera judía ortodoxa donde se hablaban inglés, ruso e ídish. Estudió en la Woman’s Art School de Cooper Union, en la National Academy of Design —que la suspendió por ingresar a un sótano vedado para mujeres— y en el City College, antes de ingresar en 1937 a la Hans Hofmann School of Fine Arts.
El catálogo de la exposición del Metropolitan Museum of Art señala que allí asimiló los principios del cubismo y desarrolló admiración por Henri Matisse. A fines de 1941, el pintor John Graham la invitó a participar de “American and French Paintings”, una muestra de McMillen Inc. donde figuraba un nombre que ella no conocía: Jackson Pollock.
Krasner localizó su dirección y fue a visitarlo a su estudio de Eighth Street. Recordó aquel encuentro con estas palabras: “Me sentí abrumada, conmocionada, eso es todo. Sentí como si el piso se hundiera cuando vi esas pinturas”.
Para 1942 ya mantenían una relación. Krasner se mudó al apartamento de Pollock en East Eighth Street durante el otoño de ese año y se casaron en octubre de 1945.
Los curadores David Breslin y Brinda Kumar escribieron que Krasner tenía entonces mayor reconocimiento artístico, mejor formación y una posición más consolidada en el competitivo ambiente artístico neoyorquino. Sus pinturas combinaban formas geométricas y orgánicas en planos superpuestos sobre fondos blancos o grises, con azules, rojos y amarillos primarios unidos por líneas negras; Piet Mondrian influyó en esa etapa y ella recordaba con orgullo que el artista había admirado aquellos trabajos.
La mudanza a Springs coincidió con lo que Krasner llamaba su “período de apagón”. Acumulaba pintura sobre el lienzo sin que surgiera una imagen, y de allí nacieron sus “losas grises”.
Pollock, influido durante largo tiempo por Pablo Picasso, había roto con el cubismo, mientras Krasner aún atravesaba esa transformación. “Me llevó dos años digerir esa ruptura. Entre 1943 y 1944 traté de deshacer mi orientación cubista y produje muy poco trabajo en una situación bastante angustiosa”, explicó.
Su producción quedó además relegada por el impulso que dio a la carrera de Pollock. Krasner usó sus vínculos para presentarlo ante Robert Motherwell y Roberto Matta, y para acercarlo a ideas surrealistas como el dibujo automático.
El historiador del arte Kirk Varnedoe sostuvo que, “a expensas de su propia obra”, volcó su energía e inteligencia a impulsar los esfuerzos de Pollock. El investigador Robert Hobbs interpretó las “losas grises” como una confrontación de Krasner con las noticias que llegaban desde Europa sobre el Holocausto.
La artista salió de ese período en el dormitorio del piso superior con las “Little Images”, lienzos pequeños y espesos construidos con pequeñas aplicaciones de pintura ubicadas deliberadamente unas junto a otras. El catálogo las define como un prisma cromático que le permitió desplegar una paleta ilimitada.
Tras una muestra individual decepcionante en 1951, comenzó en 1953 a reutilizar sus lienzos no vendidos para crear grandes collages. Algunas piezas incorporaron fragmentos de dibujos y telas descartadas de Pollock, entre ellas Bald Eagle (1955).
A los 46 años, Krasner inauguró en el otoño de 1955 una exposición individual de collages en la Stable Gallery de Eleanor Ward, en Nueva York, su segunda muestra personal en la ciudad. La galerista Betty Parsons fue la única compradora, pero Stuart Preston, de The New York Times, la calificó como “una buena colorista ruidosa”, mientras Fairfield Porter escribió en ARTnews que su arte “parece tratar sobre la naturaleza” y volvía al espectador consciente “de un desorden sutil mayor de lo que podría haber creído posible”.
Pollock realizó solo una pintura ese año, en medio de un deterioro marcado por el alcoholismo. Krasner, en cambio, inició un período de producción que se amplió después de ocupar el granero.
En los primeros meses de 1958 expuso 17 pinturas de la serie “Earth Green” en la Martha Jackson Gallery. Eran abstracciones grandes, luminosas y aparentemente inspiradas en la naturaleza; Preston destacó en The New York Times “la pura energía que la señorita Krasner logra generar sobre las superficies de sus cuadros”.
Krasner también se ocupó de preservar la obra de Pollock y se convirtió en una fuente central para críticos y curadores que escribían sobre él. Colaboró en la retrospectiva itinerante de 1958 y depositó su patrimonio en la Marlborough Gallery, aunque rechazó la oferta de representación de su director porque no quería ser incorporada en su condición de ejecutora de Pollock.
La muerte de su madre en 1959 le provocó insomnio y la llevó a pintar de noche bajo luz artificial. De ese período surgió la serie “Umber”, caracterizada por la crítica Cindy Nemser como compuesta por “trazos tajantes y astillados de sombra tostada y blanco”.
Los colores intensos reaparecieron a mediados de la década de 1960 en obras como Combat, de grandes pliegues y giros rosados y anaranjados, que mide más de 1,5 por cuatro metros (cinco por 13 pies). En 1965, la Whitechapel Gallery presentó “Lee Krasner: Paintings, Drawings, and Collages”, su primera exposición individual fuera de Estados Unidos.
El curador Bryan Robertson encontró en 1974 una caja con dibujos que Krasner había realizado durante las clases de Hans Hofmann en la década de 1930. Ella los cortó en tiras y fragmentos, y los recompuso en lienzos titulados con tiempos verbales.
“La historia nunca me abandona”, afirmó Krasner. “Creo en la continuidad… el pasado forma parte del presente, que se convierte en parte del futuro”.
