Taylor Swift salió triunfante tras una larga batalla de años por los derechos de su música anterior. Ahora tiene el control total de sus canciones, el diseño de los materiales y la distribución, sin tener que acatar directivas corporativas. Eso ya sería motivo suficiente para celebrar, pero según informes, compró su catálogo por más de 300 millones de dólares. Para una superestrella internacional, ganadora de premios Grammy y multiplatino, cuyo patrimonio asciende a 1.600 millones de dólares , este acuerdo es prácticamente una ganga.
Esto no debe verse solo como un logro financiero y artístico masivo para ella. Con suerte, señala un cambio de paradigma para otros músicos, especialmente los más jóvenes, y los inspira a ser más astutos en los negocios dentro de una industria que durante mucho tiempo ha dependido de que no presten atención a las letras pequeñas de la fama.
La balanza suele estar en contra de los artistas, y Swift, pese a su éxito arrollador, no fue una excepción.
A finales de junio de 2019, más de siete meses después de que ella dejara Big Machine Records para fichar por Republic Records/Universal Music Group, Big Machine fue vendida a Ithaca Holdings LLC, propiedad del ejecutivo musical Scooter Braun. Un año y medio después, Braun vendió Big Machine Label Group (incluidos los seis primeros álbumes de Swift) a la empresa de capital privado Shamrock Holdings por aproximadamente 300 millones de dólares. En el primer caso, ella se pronunció abiertamente sobre las difíciles condiciones a las que se enfrentó para adquirir los derechos de sus álbumes (grabar un nuevo álbum por cada uno de los anteriores que se le devolvieran); y en el segundo, no se le permitió pujar por ellos.
En los últimos años, músicos veteranos han ocupado titulares vendiendo los derechos de sus catálogos, en acuerdos que alcanzan cientos de millones de dólares. Entre ellos figuran Paul Simon, que firmó un contrato por 250 millones de dólares por su catálogo de composiciones; Bob Dylan, quien obtuvo más de 300 millones de dólares por sus derechos de autor, además de una suma estimada entre 150 y 200 millones de dólares por sus masters; y Bruce Springsteen, que recibió 550 millones de dólares por sus composiciones y grabaciones. Por su parte, Queen marcó un récord al vender su catálogo a Sony por 1.200 millones de dólares.
Por diversas razones, artistas más jóvenes como Future, Justin Bieber y Katy Perry también han vendido participaciones personales en sus catálogos de publicación y grabaciones maestras por decenas o cientos de millones de dólares, aprovechando este ingreso temprano.
La principal diferencia entre esos músicos y Swift radica en que ellos se beneficiaron de la venta de sus grabaciones maestras, muchas acumuladas a lo largo de 50 o 60 años, mientras que Swift no obtuvo nada de la lucrativa venta de las suyas.
A partir de ahora, esta artista de 35 años obtendrá buenas ganancias. Esto es muy inusual a su edad, por varias razones.
Por un lado, a pesar de la Ley de Revisión de Derechos de Autor de 1976, que permite a los artistas solicitar los derechos de sus grabaciones maestras 35 años después de su lanzamiento comercial (aplicable desde la música publicada en 1978), las grandes discográficas son reacias a ceder activos musicales valiosos. Intentan negociar mejores acuerdos con los artistas para retener títulos de catálogos codiciados, aunque para los músicos sería más rentable poseerlos directamente. Uno de los casos más tumultuosos y públicos fue el de Prince, quien luchó durante años para recuperar sus derechos maestros, lográndolo finalmente en sus 50 años, solo dos años antes de su muerte.
Además, muchos artistas, ya sea por inexperiencia o desesperación por triunfar, firman contratos marcadamente desiguales. En la década de 1960, The Beatles firmaron una serie de contratos desventajosos para la gestión, comercialización y los derechos editoriales de las canciones de John Lennon y Paul McCartney. Este último error provocó que McCartney pasara seis décadas intentando revertirlo hasta que, finalmente, llegó a un acuerdo con la entonces llamada Sony/ATV (ahora Sony Music Publishing) en 2017. (George Harrison, en cambio, tuvo la previsión de crear su propia compañía editorial, Harrisongs, en 1964, cuyo catálogo incluye el éxito “Here Comes The Sun”).
Incluso cuando los artistas se vuelven conscientes de los abusos, la industria de la música encuentra nuevas formas de ganar. Al comienzo de la era del streaming, las discográficas inicialmente se resistieron a compensar a los artistas por la música digital, las plataformas de streaming pagaban regalías bajas y las tres grandes discográficas (Sony, UMG y Warner Music) compraron acciones en Spotify.
Además, los acuerdos 360 se han vuelto más comunes en la era del streaming. Estos contratos implican que la discográfica se queda con un porcentaje de las ventas de álbumes y conciertos, la mercadotecnia, los patrocinios y otros ingresos residuales, para compensar la reducción de ingresos por CDs, vinilos y casetes.
Es una manera de garantizar el retorno de la inversión tras dedicar recursos a los músicos (especialmente los nuevos que aún no han demostrado su potencial estelar). Sin embargo, estas mayores deducciones sobre las fuentes de ingresos de los artistas son una carga pesada para los músicos menos consolidados.
Para evitar las trampas de la industria, ya no basta con ser talentoso en un estudio de grabación o en el escenario. Más que nunca, es necesario que el artista también asuma un papel de gestión. Por supuesto, los nuevos talentos no cuentan con la influencia y el capital que muchas estrellas consagradas como Taylor Swift han acumulado para enfrentarse a la industria.
No podemos ignorar que acumuló una fortuna con su gira mundial Eras, que duró casi dos años y recaudó aproximadamente 2.200 millones de dólares, lo que le permitió desembolsar los más de 300 millones de dólares necesarios para adquirir su catálogo. También contó con leales seguidores que compraron y reprodujeron exclusivamente sus regrabaciones de álbumes antiguos –las “Versiones de Taylor”– en su apoyo (esta estrategia afectó negativamente las ganancias de Big Machine).
Sin embargo, esto no significa que la victoria de Taylor Swift no sea una valiosa lección para los músicos emergentes y sus representantes: prioricen negociar acuerdos más inteligentes desde el principio. Es también un mensaje alentador para los artistas veteranos que no poseen sus grabaciones maestras: si están dispuestos, luchen por sus canciones, especialmente aquellas que languidecen en los archivos olvidados. El catálogo sigue siendo el rey, y por eso estos acuerdos tan lucrativos continúan ocurriendo.
Hay otra lección más que extraer de esta situación, dirigida esta vez a las discográficas. La victoria de Swift no habría sido posible sin el respaldo de sus Swifties, lo que demuestra que el poder acumulativo de los fans, cuando tienen una conexión profunda con un artista, es un activo enorme, algo que algunos en la industria no habían previsto.
Fuente: The Washington Post