La pintora neerlandesa Rachel Ruysch ganó la lotería dos veces, en 1713 y 1723. La mayoría de las personas se alegrarán si ganas la lotería una vez, incluso si ya tienes una buena posición económica, como era el caso de Ruysch. Tener suerte siempre resulta agradable. ¿Pero dos veces? Ganar dos veces resulta innecesario, excede cualquier expectativa y parece casi antinatural.
El segundo premio, en 1723, hizo que Ruysch (1664-1750) y su esposo, el retratista Juriaen Pool, alcanzaran una riqueza suficiente como para que ella no necesitara seguir pintando. Durante unos 15 años apenas produjo obras.
Rachel Ruysch: De la naturaleza al arte, en el Museo de Arte de Toledo, es la primera exposición monográfica de gran escala dedicada a Ruysch, una de las principales pintoras de flores de su época. Concebida por Robert Schindler y co-curada por Schindler, Bernd Ebert y Anna C. Knaap, la muestra se organizó junto con la Alte Pinakothek en Múnich y el Museo de Bellas Artes de Boston, donde abrirá en agosto.
En su séptima década, después de esa pausa posterior a la lotería, Ruysch retomó los pinceles. Cuando murió, a los 86 años, fue homenajeada en una recopilación de poemas publicados: “No lamentas tus casi ochenta años de vida”, escribió la poeta y dramaturga Lucretia Wilhelmina van Merken. “Tu invierno parece tu primavera”.
Ese tema, el arte como un truco mágico capaz de revertir el tiempo o rivalizar con la naturaleza, ya había sido tratado más de una década antes en un poema sobre Ruysch escrito por Christina Leonora de Neufville: “Estos no pueden ser obra suya”, escribió de Neufville acerca de las frutas y flores en los bodegones de Ruysch. “¿No sería curioso arrancar una de estas uvas/ de su tallo y probar su pintura?”
De Neufville aludía al pintor griego antiguo Zeuxis, quien pintó uvas con tal realismo que las aves descendían a intentar comerlas. Esa abundancia resultaba inquietante tanto para aves como para poetas. “¿Acaso no sabes cuán cruel es/ permitir que la visión se deleite/ con aquello que la lengua no puede disfrutar?”, escribió de Neufville. “Envidio a la abeja, que lograste con tanta destreza,/ el fruto que le ofreciste, del que se puede saciar”.
Ruysch, aunque durante mucho tiempo fue ignorada por la posteridad, tenía algo en común con las afortunadas abejas que pintó. Su ambición y talento eran deliberadamente excesivos, “mayores” que la naturaleza, y la “naturaleza” en sus obras resultaba también ella misma desbordante en su generosidad.
La exposición en Toledo, diseñada por Selldorf Architects, abunda en coloridos ramos y arreglos florales. Los cuadros de Ruysch reúnen docenas de especies de flores, tanto locales como exóticas, e incluyen insectos, lagartos, caracoles, hojas verdes y frutos relucientes.
La muestra propone más que un deleite para amantes de las flores. Es una invitación a adentrarse en la visión de la artista y su entorno culto e inquisitivo, y a reflexionar sobre cuestiones aún actuales: ¿Puede la vida de los seres mortales prolongarse artificialmente? ¿Qué es natural y qué es artificial? ¿Dónde está la línea entre el arte y la ciencia? ¿Qué papel tienen el dominio y la explotación en el avance de ambas?
Ruysch era nieta de Pieter Post, uno de los arquitectos más destacados de los Países Bajos, e hija de Frederik Ruysch, renombrado profesor de anatomía y botánica. Frederik fue conocido por su colección de ejemplares zoológicos y botánicos, y por desarrollar una técnica de embalsamamiento que permitía conservar y exhibir piezas anatómicas (incluidos fragmentos humanos) de forma sorprendentemente realista.
La exploración, el comercio y el colonialismo ampliaban velozmente las fronteras del conocimiento. Los barcos neerlandeses regresaban con ejemplares de plantas y animales nunca vistos, mientras sus dueños obtenían beneficio del comercio de esclavos y la explotación de tierras extranjeras. Frederik Ruysch recolectó y conservó numerosos ejemplares. En una época en que la ciencia y el arte estaban mucho más integrados, él mismo dibujaba estos especímenes o encargaba dibujos a otros.
En aquel tiempo, científicos y artistas sentían gran interés por la cuestión de la reproducción. Algunos creían en la existencia de la “generación espontánea”, una vieja creencia griega según la cual la humedad, el calor y la materia en descomposición (como la que se encuentra en el suelo de los bosques) podían generar de forma espontánea seres vivos como reptiles, anfibios e insectos.
Las primeras obras de Ruysch, influidas por las pinturas de “suelo de bosque” de Otto Marseus van Schriek, muestran el efecto de esa idea, igual que su extraordinario cuadro y dibujo relacionado de un sapo de Surinam. Esta especie sudamericana, que desarrolla diminutos sapos dentro de bolsas en su espalda, se creyó durante mucho tiempo que no necesitaba fertilización masculina.
La idea de la generación espontánea empezó a desaparecer cuando una contemporánea de Ruysch, Maria Sibylla Merian, viajó a Brasil y documentó el ciclo vital de las mariposas, del huevo a la oruga y de la oruga a la crisálida. Las bellísimas ilustraciones de Merian también refutaron la creencia pseudorreligiosa de que la aparición de mariposas después de la “muerte” de la oruga era un caso natural de resurrección.
Ruysch tuvo una hermana menor, Anna, hoy casi olvidada. (La exposición pretende reparar en parte esa desmemoria). A finales de la década de 1670, Frederik puso a Rachel y posiblemente a Anna como aprendices de Willem van Aelst, uno de los principales pintores de flores de su tiempo. Una sección absorbente de la muestra analiza qué primeras obras de Ruysch podrían atribuirse a Anna, a colaboraciones entre ambas, o a trabajos conjuntos con otros pintores.
La carrera de Anna se fue apagando tras su matrimonio en 1688. Cinco años después, Rachel también contrajo matrimonio. Para entonces, ya se había consolidado en el mercado con sus cuadros de flores de colores vibrantes y composiciones detalladas.
Mientras avanzaba su carrera, Ruysch tuvo 10 hijos (los nueve primeros en 11 años). Solo tres varones sobrevivieron hasta la edad adulta. La dedicación invertida en sus obras era muy grande y su producción avanzaba con lentitud.
En 1701, fue la primera mujer en ingresar al gremio de artistas de La Haya. (Ella y Pool entraron juntos). Siete años más tarde, ambos fueron designados pintores de corte del duque alemán Johann Wilhelm, príncipe elector del Sacro Imperio Romano Germánico. Durante los ocho años que Ruysch trabajó para Johann Wilhelm, aumentaron tanto su producción como su ambición artística.
Un retrato realizado por Pool para conmemorar el final de ese periodo conjunto es otro ejemplo de abundancia desmedida. Muestra a Pool, Ruysch y su hijo Jan Willem, pero la escena es más compleja. Pool señala un caballete en las sombras donde hay una pintura de Ruysch. En primer plano, sobre una mesa en la que Ruysch apoya el brazo, hay un florero que ella misma pintó. Las flores tienen la misma disposición que en la pintura del caballete, la cual es casi idéntica a una obra previa de Ruysch. Es como un salón de espejos.
Sapos, frutas tropicales y retratos ingeniosos aparecen en la muestra. Pero el verdadero tema de Ruysch eran las flores: colores y formas, texturas, la manera en que ocupan el espacio, cómo se adelantan o retroceden respecto a otras flores, a las hojas y al fondo oscuro del que emergen.
Parecen naturales, pero los arreglos de Ruysch estaban cuidadosamente planificados: combinaban flores de todo el mundo, reunían elementos de otras composiciones e integraban observaciones meticulosas con invención creativa.
Ruysch y los demás pintores neerlandeses de flores llevaban lejos el juego entre ilusión y realidad. En algunas pinturas, en vez de pintar alas de mariposa, adherían alas reales a la pintura fresca y allí las dejaban. Ese tipo de recursos invitan a reflexionar sobre la relación entre ilusión y realidad y conducen a pensar en la lotería de la vida, que, pese a todo, seguimos ganando hasta que, un día, la perdemos.
El arte puede parecer superfluo, un juego de espejos. (“Cuán vano es el arte”, escribió Pascal, “que nos sorprende por su parecido con cosas que ni siquiera admiramos en la realidad”). Pero la pulsión detrás del arte, ese extraño impulso de reproducir la realidad o de inventar una nueva versión, más perfecta, sigue resultando imponente. “Realmente, esto es todo lo que tenemos”, escribió Ian McEwan, más cerca de nuestra era solitaria, “ese impulso, ese afán de la vida por perpetuarse; todo lo demás debe surgir de aquí”.
Fuente: The Washington Post